SEREIRROF Peintre France


SEREIRROF      Peintre      France

( new   réalisé par Michel NASLOT, un des administrateurs du site )

 

Sereirrof peint des gens. Des gens vêtus, des nus, des écorchés vifs, des tortillés, des entortillés, des contorsionnés, des gens à côté de leurs pompes, ou nettement au dessus de leurs pompes. Des franchement planants, des qui ne reviendront jamais sur terre, des qui ne font que passer, des toujours absents, des qu’on n’aimerait plus voir, et qu’on aimerait surtout ne pas avoir à table.

Des visages aussi. Des visages qui en disent long, des visages qui ne vous disent rien, des visages fermés, des visages gênants, des visages gênés. Des qui font la gueule, ou qui se foutent de votre gueule, des visages qui dérangent, ou de ceux que l’on dérange. Des vrais gens quoi. Tous tordus, mal foutus, bancals, décalés, mal dans leur peau, mal aux os, mal aux autres. Des gens comme vous et moi, en quelque sorte. Mais avec une certaine prédilection pour l’autoportrait, tout de même.

 

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Né en Haute-Savoie en 1947, Sereirrof a passé son enfance en région parisienne. Il vit et travaille maintenant en Dordogne.
Titulaire d’un DEA de physique des gaz et des plasmas, il a d’abord mené une carrière scientifique : chercheur au CEA, professeur de mathématique, chercheur en énergétique à l’Ecole Centrale de Paris. Après avoir passé un DESS de méthodes physiques consacrées à l’archéologie, il a été restaurateur de mosaïques antiques, puis directeur d’un laboratoire de restauration et de recherche sur la métallurgie ancienne.
Ce n’est qu’en 1998 qu’il a franchi le pas de la création artistique professionnelle en devenant peintre et mosaïste, pour se consacrer exclusivement à la peinture à partir de 2002.
Cet artiste autodidacte fonde son art exceptionnel sur une connaissance approfondie, artistique et technique, du travail des grands peintres du passé et de notre temps. Sa peinture, que l’on peut ranger dans l’expressionnisme contemporain, est consacrée exclusivement à la représentation du genre humain.

Expositions

Au début de sa carrière, Sereirrof a exposé dans des galeries du sud de la France, à Bordeaux, Toulouse, Nice, Saint-Paul de Vence, Brive la Gaillarde, etc.
Depuis 2011 il est représenté par la galerie Schwab Beaubourg, en exclusivité depuis 2013. Nous lui avons consacré des expositions personnelles en 2012, 2013 et 2014.
Son travail a été présenté dans plusieurs foires et salons :
plusieurs années au salon d’Automne à Paris,
à la foire internationale de Canton, en Chine, en 2008,
à Puls’art au Mans en 2009.

Et  avec la galerie Schwab Beaubourg
à Art Elysées en 2012,
à START (Strasbourg) en 2013,
au salon Comparaison à Paris en 2013,
à Art’up (Lille) en 2014.

Media

Il est présent dans plusieurs ouvrages récents :
L’expressionnisme contemporain (2010)
Le portrait dans l’art contemporain (2012)
Le nu dans l’art contemporain (2013)

Des articles lui ont été consacrés en 2013 dans les magazines Artension et Miroir de l’Art.

 

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Michel NASLOT, un des administrateurs du site.

VALERI GENEROSOW Peintre/Sculpteur


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1946 geboren in Baku

1968-70 Berufsschule für Formgestaltung in Baku

1970-74 Studium an der Kunstfachhochschule in Baku (Fachrichtung Malerei/Grafik/Pädagogik)

1974-76 Lehrer für Malerei und Zeichnung in Leningrader Schulen

1976-81 Studium an der Akademie für Kunst und Design in St. Petersburg (Fachrichtung künstlerische Keramik/Glas bei Prof. Wassilkowski; Plastik/Figur bei Professor Bogomolov)

1981-91 freischaffend tätig auf den Gebieten der Experimentalkeramik, architekturbezogener Kunst, Landschafts- und Platzgestaltung, Brunnen und Reliefs seit

1991 Mitglied des Künstlerverbandes von St. Petersburg und Russland, freischaffend tätig, Gründung des Ateliers mit einer Meisterklasse für künstlerische Keramik

1993-94 Dozent für künstlerische Keramik an der Kunsthandwerkschule in St. Petersburg

1994 Umzug nach Deutschland seit

1996 Mitgliedschaft im Chemnitzer Künstlerbund und im Bundesverband Bildender Künstlerinnen und Künstler Deutschland

1996 Teilnahme am Keramiksymposium « Raku » in Chemnitz

1999 Ruth Leibnitz -Preis 2000 « Die keramische Großplastik im Freien » – Förderpreis Keramik der Nassauischen Sparkasse

2001-02 Teilnahme am Projekt « in SICHT – Kunst im öffentlichen Raum » in Chemnitz seit

2002 Mitglied des Künstlerbundes Dresden

2004 Teilnahme am Symposium « PINSEDAGE » in Dänemark seit

2009 Mitglied im Neunen Sächsischen Kunstverein

2010 Teilnahme Bildhauer-Wettbewerb « Kurländer-Brunnen » in Dresden

2014 verstorben in Leipzig

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Auzüge der Rezension aus der « Sächsische Zeitung » (Autorin: Gundula Sell) vom 26.04.2007 zur Ausstellung von Valeri Generosow in der Barbara-Kapelle Meißen: … « Die stark abstrahierten Figuren und Gruppen aus schamottiertem Ton, glasiert in unbunten Farben, können geradezu aus dem alten Gemäuer herausgewachsen sein. Sie geben archaische Situationen und Beziehungen von Menschen wieder, wie Familie, Barmherzigkeit, Heiligtum. Viele der Arbeiten … interpretieren christliche Themen. Die Personen sind fast immer reduziert auf Typen, geradezu Ideen. Dynamik und Emotion entstehen aus Generosows energischem Umgang mit den Formen, der nicht nur spirituell, sondern auch ästhetisch anregende Gebilde hervorbringt. Selbst eine « Pièta », Beweinung des toten Christus durch seine Mutter, vermittelt die Empfindung von Lebensbejahung. » … « Öl- und Acrylfarben zeigen ihre ganze Leuchtkraft. Auch auf der Leinwand gestaltet Generosow mit großen Formen. Kreise und Streifen ordnen sich abstrakt zum verlorenen Paradies oder zur Apokalypse. Oft erscheinen inmitten der kräftigen Flächen – orange und türkis, bei neueren Arbeiten leuchtrot und tiefblau – Stadtlandschaften, Musiker, Porträts. Generosow knüpft an die Tradition der klassischen Moderne an, Kubismus, Konstruktivismus, baut sich aber seine eigenen Bilderwelten, in der ikonenhafte Madonnen oder erkennbare Dresdner Landschaften eingeschlossen sind. Die Arbeiten von Generosows sprechen von Intensität und Lebensfreude, von Kraft und Formbewusstsein. Ihm geht es nicht um Dekoration, sondern immer auch um ästhetische Erziehung, von der er sagt, sie sei « das Fundament, auf dem solche Begriffe wie Schönheit, Liebe, Ehre, menschliche Würde, Edelmut aufgebaut werden ».

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Seit 1980 zahlreiche Ausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen im In- und Ausland.

EINZELAUSSTELLUNGEN (AUSWAHL)
1992 St. Petersburg, Galerie « Villa Bosse »
1995 Chemnitz, Kulturklub « Pablo Neruda »
1998 Chemnitz, Evangelisches Forum
1998 Chemnitz, « Lese Cafe »
1998/99 Chemnitz, Architektenkammer Sachsen und Kammerbüro
2000 Chemnitz, Schauspielhaus
2000 Chemnitz, Galerie LICON
2002 Dresden, Dresdener Factoring AG
2003 Dresden, Galerie « Kunstausstellung Kühl »
2004 Dresden, Dreikönigskirche
2005 Markneukirchen, Nikolaikirche
2007 Meißen, Evangelischen Akademie
2010 Dresden, Galerie Rainar Götz
2010 Dresden, Kurländer Palais
2014 Leipzig, Neues Rathaus (in memoriam)
EIGENE PROJEKTE UND SYMPOSIEN:
1997 Projekt « Das Atelier als offene Werkstatt » in Chemnitz
1999 Projekt « DIALOG I », I. Internationales Keramiksymposium
2003 Ausstellungsprojekt « DIALOG II » – 12 Dresdner und 12 St. Petersburger Künstler in St. Petersburg
2004 Ausstellungsprojekt « DIALOG III » – 12 St. Petersburger und 12 Dresdner Künstler in Dresden

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http://www.fine-arts-international.com

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Michel NASLOT, un des administrateurs du site.

CARL ROBERTS Sculpteur South Africa


CARL ROBERTS       Sculpteur        South Africa

 

Carl Roberts
Trial and Error
There is a line from E.M. Foster’s “Passage to India” that inspires me. The character Mrs. Moore says; “I think that everyone fails but there are many kinds of failure”
By the age of five I had already experienced a few of catastrophes and was on to my third father. The first crashed his RAF jet and the second died of lung cancer. We lived in many places; my elder sister has been in more schools than years in school. Perhaps it is surprising I even got to my final year in school as I was emotionally unstable and intellectually disinterested. Add to that I am ADD (attention deficit disorder), a little dyslexic and did not have art as a subject at school. Needless to say, I failed my finals.
I worked for five years before deciding to go to University to “fail”. I hoped for an exciting social life and the credibility of being a university drop out. The day before I left Durban for Rhodes University I got a rejection note. With little to lose and my friends waiting to take me on a meandering trip down the Wild coast, I persisted. To this day I am not certain if the university made a mistake with the admission criteria or if it was that I bullied my way into the university. The admission officer, flustered by my attack, allowed me to register for a Journalism degree with art as an extra credit. That extra credit changed my life!
I switched to a degree in Fine Art and failed to fail as I had imagined I would. Much to my surprise I was awarded the prize for the best all round art student, received academic half colours and a Rhodes University bursary to further my studies. I went on to complete a Master’s degree and became a Fine Art lecturer. In 1995 I was pushed from my position as a lecturer at the University of Durban-Westville by a disgruntled and threatening student and inept management to become a full time artist. Now, I am grateful for that unfair and upsetting calamity.
My artist statement reads:
I work like the automatic artist of the Surrealist movement in that I trust my subconscious to generate ideas. The emphasis is on “magic, accident, irrational, symbols and dreams”. Like the Rorschach (ink blot) test, the material often suggests images and sometimes presents them in an unusual way. The image made depends ultimately upon what lies in the subconscious, elements of chance and the spirit of the times.

I distrust artist statements! I suspect that they may be limiting and misleading because they rationalize what has been or is being done. They mislead the artist as much as the viewers. I believe that artists should not know what they are doing and feel their way towards something that works. Clear cut, unconfused artists’ statements are good for marketing as they put the buyer at ease. However there is impossibility about art as innovation comes through disappointment and exploration is about the unknowable. There is some certainty of failure. It may be true that you can never make a perfect work. Art is difficult and that leads us into temptation, to justifications and words.

It turns out that like most artists my work is, unintentionally and unknowingly, autobiographical. With hindsight I can see the works reflect my life in symbols and images. Icarus and flying figures relate to my flying, crash and burn father. Boats and whale hunts are images of the many sea journeys made to flee disaster and or in pursuit of better days and my love of the sea. Most of the sculptures I have made can be shown to have a connection to my life, but I think it is also important to have some that are incomprehensible.

I like to discover. I try different mediums, different subjects, textures, forms, whatever takes my fancy. Perfection is as limiting as chaos so I go about trying to order chaos. It is a challenge and is entertaining. Perhaps my artist statement should read like the mission statement of the Starship, Enterprise, from the Star Trek series: “To go where no man has gone before”. Except that I am not outlandish, in fact, I think I am conservative. Despite art being a public business that requires showmanship in order to sell it, it is, in its making, a private journey.

I prefer natural mediums like wood, stone and bone that I find in places I know but it is not a rule and there have been lots of other mediums from nylon strap to bark. I prefer something that is organic and “messed up” a little as “Perfect order is as hostile to innovation as total disorder” (“Arrival of the fittest” Andreas Wagner) My first efforts at a new medium are often flawed but I learn and adapt. If I ever solve all the problems I will need a new challenge.

When I start to lose interest is usually when galleries and clients start to take notice. It has not been a recipe to make a fortune! I believe in hard work, perseverance and craftsmanship all of which sometimes seems to be outdated and a failure of some sort. I would like my works to last for a long time and make them to last but I am not hopeful in that respect. We live in a consumer society and like everything else I expect some work to end up in the dustbin. However being an artist has been, for me, a privilege; a wonderful, entertaining, exciting and meaningful journey of exploration.

E.M Foster’s words “I think that everyone fails but there are many kinds of failure” means, to me, that by trial and error I must endeavor. Fail a little less! It is about engaging in a struggle in spite of inevitable disappointment. I also think of Dylan Thomas poem, Do not Go Gentle into that Good Night, and his words “Rage, rage against the dying of the light”.

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Carl Roberts

Epreuve et erreur

Il y a une phrase dans  «La route des Indes» de E.M. Foster qui m’ inspire. Le personnage Mme Moore précise: « Je pense que tout le monde échoue mais il y a de nombreux types d’échec »
À l’âge de cinq ans, j’avais déjà vécu un certain nombre de tragédies et en était à mon troisième père. Le premier s’ est écrasé avec son jet RAF et le second est mort d’un cancer du poumon. Nous avons vécu dans de nombreux endroits; ma sœur aînée a étudié en un plus grand nombre  d’écoles que d’années passées à l’école. Etonnamment j’ai réussi à terminer ma dernière année à l’école malgré le fait que j’étais émotionellement instable et intellectuellement désintéressé. En plus  je suis ADD (trouble déficitaire de l’attention), un peu dyslexique et n’ai pas étudié l’art en tant que sujet à l’école. Inutile de dire que je ne ai pas réussi mes examens finaux .

J’ai travaillé pendant cinq ans avant de décider d’aller à l’université pour «échouer». J’espérais une vie sociale passionnante et la crédibilité d’être éjecté de l’université. La veille de mon départ de Durban pour l’Université de Rhodes, j’ai reçu une note de rejet. N’ayant rien à perdre et mes amis m’attendant  pour un voyage sinueux le long de la côte sauvage, j’ai persisté. A ce jour, je ne suis pas certain si l’université a fait une erreur avec les critères d’admission ou j’ai été victime d’intinidation à l’université. L’agent d’admission m’a permis de m’inscrire à une licence de journalisme avec l’art comme un sujet supplémentaire. Ce sujet supplémentaire a changé ma vie!

Je me suis orienté vers un diplôme en Beaux-Arts et ai échoué comme je l’avais imaginé. À ma grande surprise on m’a décerné le prix pour le meilleur  étudiant en art , j’ ai reçu les couleurs universitaires et une bourse de l’Université de Rhodes pour poursuivre mes études. J’y suis allé  pour terminer un diplôme de maîtrise et suis devenu un professeur des Beau-Arts. En 1995, je fus renvoyé de mon poste de professeur à l’Université de Durban-Westville par un étudiant mécontent et menaçant incapable de pouvoir devenir un artiste à temps plein. Maintenant, je suis reconnaissant de ce fait injuste et bouleversant.

Ma déclaration de l’artiste consiste:

Je travaille comme l’artiste automatique du mouvement surréaliste et je fais confiance à mon subconscient pour générer des idées. L’accent est mis sur « la magie, accident, irrationnel, les symboles et les rêves ». Comme le test de Rorschach (tache d’encre), les matériaux suggèrent souvent des images et les présentent parfois d’une manière inhabituelle. L’image  dépend finalement de ce qui se trouve dans le subconscient, les éléments de hasard et de l’esprit du temps.

Je me méfie des déclarations d’artiste! Je soupçonne qu’elles peuvent être limitatives et trompeuses parce qu’elles rationalisent ce qui a été ou qui est fait. Elles induisent en erreur l’artiste ainsi que les téléspectateurs. Je crois que les artistes ne devraient pas savoir ce qu’ils font et ressentir leur chemin vers quelque chose qui fonctionne. En résumé, les déclarations d’artistes sont bonnes pour le marketing et mettent l’acheteur à l’aise. Cependant, il est impossible que l’art en tant qu’ ‘innovation passe par la déception et l’exploration de l’inconnaissable. Il y a une certaine certitude de l’échec. Il est vrai que vous ne pouvez jamais faire un travail parfait. L’art est difficile et nous conduit à la tentation, aux justifications et aux mots.

Il se trouve que comme la plupart des artistes de mon travail est, sans le vouloir et sans le savoir, autobiographique. Avec le recul, je peux voir les œuvres réfléter ma vie dans des symboles et des images. Icares et figures de vol se rapportent à mon vol, à l’accident et mon père brûlé.. Bateaux et chasses à la baleine sont des images des nombreux voyages en mer effectués afin de fuir les catastrophes et à la poursuite de jours meilleurs ainsi que mon amour pour la mer. La plupart des sculptures que j’ai faites peuvent être montrées pour comprendre la connexion à ma propre vie, mais je pense qu’il est également important de conserver certaines sculptures hors de la compréhension.

J’aime découvrir. J’essaie différents milieux, différents sujets, textures,  formes selon la direction de ma fantaisie. La perfection est comme un chaos limitant   je vais de ce fait essayer d’ordonner le chaos. Il s’agit d’ un défi  divertissant. Peut-être ma déclaration de l’artiste doit se lire comme l’énoncé de mission du vaisseau, l’entreprise, de la série Star Trek: « Pour aller là où aucun homme est allé avant ». Non je ne suis pas bizarre, en fait, je pense que je suis conservateur. Malgré l’art d’être une entreprise publique qui nécessite la mise en scène afin de se vendre, il s’agit dans la pratique d’un voyage privé.

Je préfère des milieux naturels comme le bois, la pierre et l’os que je trouve dans des endroits que je connais, mais il est pas une règle et il y a eu beaucoup d’autres supports des sangles en nylon aux écorces. Je préfère quelque chose qui soit organique et « en désordre » car l’ «ordre parfait est aussi hostile à l’innovation que le désordre total» ( «Arrival of the fittest» Andreas Wagner) Mes premiers efforts sur une nouvelle texture sont souvent imparfaits, mais j’apprends et m’ adapte. Si j’arrivais à résoudre tous les problèmes  j’aurais besoin d’un nouveau défi.

Quand je commence à perdre de l’intérêt c’est généralement lorsque les galeries et les clients commencent à me remarquer. Il n’y a pas de recette pour faire fortune! Je crois au travail acharné, de persévérance et de l’artisanat ces points semblent parfois être dépassé et représentent un échec d’une certaine sorte. Je voudrais que mes œuvres puissent durer  une longue période et de les prolonger, mais je n’ai pas beaucoup d’espoir à cet égard. Nous vivons dans une société de consommation et comme tout le reste, il faut s’attendre à ce que des oeuvres finissent à la poubelle.  Cependant être un artiste a été, pour moi, un privilège; un voyage de l’exploration merveilleux, amusant et excitant.
Carole Sahebzadah        Freelance marketing

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SELECTED EXHIBITIONS:

1984     A national exhibition of Universities and Technikons

1985     G.A.P. Exhibition

1985     Corobrick regional and national exhibition

1985     Eastern Province Fine Art Society, St Georges Park, Port Elizabeth.

1985     Triennial

1986     Rhodes Art School

1987     EPFSA

1988     G.A.P. Exhibition

1988     Two person exhibition at Rhodes University

1990     Three Institutions Exhibition, Durban

1990     4 person Exhibition at the N.S.A. gallery, Durban

1991     Tatham Art Gallery, Pietermaritzburg

1991     Selected for the Cape Town Triennial Exhibition

1991     The first National Sculpture Symposium Exhibition

1991     Three Institutions Exhibition, Durban

1992     Volkas Regional exhibition, Durban

1992     University of Durban-Westville, Fine Art Department, Staff Exhibition

1992     Sculpture Symposium Exhibition, Natal Technikon

1992     Three Institutions Exhibition, Pietermaritzburg

1992     Invited Artists at the Grass Roots Gallery, Durban

1993     Invited guest of the African Art Centre Exhibition, Durban

1993     G.A.P. Exhibition, Grahamstown

1993     Selected for the Natal Arts Trust Biennale 5

1993     Vita Art Now Exhibition at the Grass Roots Gallery, Durban

1994     Jack Heath Gallery Pietermaritzburg

1994     Two persons Exhibition at the National art festival, Grahamstown

1994     Three person exhibition at Anthea Martin’s Gallery, Durban

1995     Artists invite Artists at the Durban Art Museum

1995     Everard Read

1995     Global d’ Co, Belguim

1995     Anthea Martin gallery, Durban

1996     2 person show at Guild gallery Pretoria

1996     National festival of the Arts, Grahamstown

1996     Jabulisa, Durban Art Gallery

1996     NSA Gala exhibition, Durban

1996     Groundswell, Blackfriars, London

1996     BMW Customer Centre, Pretoria

1997     Brandwacht Estate, Cape Town

1998     SA sculpture today, Oudtshoorrn Arts Festival, Klien Karoo Kunsfees

1999     Postcards from South Africa, Axis Gallery, New York, USA

1999     Christies, London UK

2000     Christies, London, UK

2002     Jesterburg, Germany

2003     Sculptors at the Van Vouw Museum, Pretoria

2003     Landscape, Pretoria

2003     Art for Conservation, ICC. Durban

2004     The Art Room, Durban

2004     Solo Exhibition at the Bonisa Gallery, Kloof, Durban

2006     Seattle, USA

2006     Solo Exhibition at the Bonisa Gallery, Kloof, Durban

2007     Winchester Fine Art, Hillcrest

2007   The Heritage Arts Festival at Kizo Gallery, Durban

2007   Strydom Gallery, George

2007   Solo Exhibition at the Gallery on the Square, Sandton

2008   Winchester Fine Art, Hillcrest

2009   Strydom Gallery, George

2010   Selected for the Natal ARTs Trusts’ Jabulisa.

2010 Strydom Gallery, George

2011 Artisan Gallery Durban

2011 Strydom Gallery, George

2011 Trent Gallery, Pretoria

2013 Solo Exhibition at Art Eye Gallery, Fourways, Gauteng.

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Martin Perez Irusta Painter Argentina


Martin Perez Irusta    Painter    Argentina

( updated from 2013/ 10 )

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MARTÍN PÉREZ IRUSTA, 1967, Río Cuarto, Córdoba,Argentina.
Formed in Architecture and Design
Focuses on painting professionally since 2001,
in which he moved to Madrid where he currently
resides.He has exhibited in group and individual in
Argentina, Chile, Peru, Bolivia, Spain, Belgium and U.S.A.
El paisaje es una construcción cultural, o lo que es lo mismo, una serie de ideas y sensaciones que elaboramos a partir del lugar que contemplamos. Martín Pérez Irusta emprende su trabajo con un alto grado de despojamiento figurativo y filtra el paisaje a través de un complejo proceso de introspección; esto no quiere decir que deforme lo que observa, sino que modula la presencia de la realidad hasta convertirla en un acontecimiento plástico. De este modo, Martín Pérez Irusta va difuminando progresivamente el referente físico y afirmando un sutil diálogo entre la luz y el color. Ambos elementos dan entidad a su idea del paisaje, encarnan su presencia y proyectan hacia el espectador una pintura serena, sutil en su construcción y plena de matices que siempre requieren una mirada atenta.
Carlos Delgado—critica.
 
Con formación universitaria en Arquitectura Urbanismo y Diseño, Se dedica profesionalmente a la pintura desde 2001, año en el que se traslada a la ciudad de Madrid donde actualmente  reside.
Ha realizado exposiciones colectivas e individuales en Argentina, Chile, Perú, Bolivia,  Colombia, Venezuela, España, Bélgica y Estados Unidos.

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Paisajes

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DIAPORAMA :  36 PHOTOS

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Richard Afanou Korblah Artist Benin


Richard Afanou Korblah       Artist      Benin

( updated link from october 2013 )

His next work is varied: the artist has more than one string to his bow and boundless inspiration.

The painting occupies firstly prominently in his work.

He painted icons, performs various tasks in monasteries (Abomey Dassa …), and participates in the Basilica of Dassa (mural, Stations of the Cross).

Then the young visual artist inspired by the Fulani people, marginalized in Benin and in other West African countries. He is particularly interested in one of their custom: a ceremony was both fun and initiation called « Goodja » Fulani language, this term means and flogging is a rite of passage for young men among adults. Flogging shows the transcendence of physical pain to the quest for an ideal. Thus, the artist’s sculptures express the suffering and joy, strength and brutality of these ceremonies. Through his work, Richard A. Korblah seeks to promote and share the tolerance and acceptance of others, the dialogue of cultures and the culture of peace. »   Extract

BIOGRAPHIE => http://www.rak-korblah.com/biographie/

EXPOSITIONS :

2012-2013 : « Té ndé » exposée à Ouidah

Juin – septembre 2012 : exposition à l’institut français de Cotonou

2008 : Participation au symposium granite à Dassa (Bénin)

2008 : Exposition à Miami (USA) dans le cadre de « Blank Canvas Concepts »

2007 : Exposition au Centre culturel français de Parakou (Bénin)

2007 : Exposition collective Centre culturel américain  (Bénin)

2003 : Rencontre Boulev’art à Cotonou (Bénin)

2001 : Rencontre Boulev’art à Cotonou (Bénin) / Rencontre Boulev’art  à la Ciotat (France)

2000 : Rencontre Boulev’art à Cotonou et Abomey (Bénin)

1997 :  Exposition collective à l’université de Cotonou (Bénin)

Critique d’art :

Ethnographe, il recueille les paroles du monde, matérialisées dans les gestes, les rites, les valeurs qui le constituent et lui confèrent authenticité.

Artiste, il les sublime dans les dessins, peintures, photographies, sculptures, ses miroirs du monde.

Esthète, proche des modes de vie respectueux de la nature, il exalte leur beauté ; beauté qu’il aime révéler à travers la souffrance, fardeau de l’être dans le monde, qu’il tourmente et exhibe, pour l’exorciser.

Exquise subtilité artistique, il va se tourner vers la cérémonie Goodja, rite d’initiation du peuple peuhl. Pas totalement perverti par la modernité, gardien d’expressions culturelles ancestrales, ce peuple conserve encore intacte la mémoire des traditions. La flagellation que les jeunes s’infligent lors de l’entrée dans la vie adulte, comme tout passage, est souffrance, mais la souffrance qui n’avilit pas est apprentissage et ils en sortent enorgueillis. On sort de la sensualité – les jeunes adolescents, parés de leurs plus beaux atours, maquillés, portant des bijoux, exhibent leurs corps androgynes, on entre dans l’émotion pure, violente, exaltée, par la couleur rouge du sang provoquée par leur souffrance. Le sens, la mise en scène d’une beauté élégante, transcendent la violence du geste.

Dès lors, entre sa réflexion et l’écho de la matière, il y aura un seul flux, son souffle créateur. Peinture, collages de photographies partiellement détruites, symbole de la douleur, images où brûlent les regards espiègles des jeunes filles, des futures épouses, des enfants qui assistent au spectacle – ses toiles en couleurs ocres. Ocres – archaïques, barbares, tordues, contorsionnées – ses sculptures, orgies de la matière.

Ses dessins, aires de jeu, enjoués, spontanés comme l’enfance d’où ils tirent leurs traits délurés, ses tableaux, formes irrégulières, peaux d’animaux tannées, tendues et séchées, ses sculptures, brutes narrations…

Richard Afanou Korblah et ses « paroles de la matière ».

Fabiola Badoï

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Alan HORSLEY Sculptor In Glass Scotland


Alan HORSLEY    Sculptor in Glass    Scotland

( updated link from  2014 / 07 )

Whilst studying towards an Honours degree in Sculpture at Edinburgh College of Art, Alan had his first exposure to glass as a creative medium during a short workshop led by Dr. Max Stewart in 2008. Fascinated by the long, rich history of the material and the range of qualities one could achieve from this single substance, Alan launched himself into exploring kiln forming techniques and the manipulation of glass colour and texture with metallic oxides. Alan’s efforts culminated in a First Class degree in 2010, his work going on to garner acclaim in the form of the CGS Glass Prize and the Stanislav Libensky Award in the same year. In 2012, having completed an MFA which saw him further enhance the nuance and scope of his glass colouring processes, Alan has moved to share a studio with Bruno Romanelli, where he looks forward to continuing his development as a sculptor working with glass. Alan’s figurative work has been exhibited internationally and is characterised by a consistent re-imagining of glass; in his hands the material becomes a fertile volume, within which the essence of countless substances can be evoked.

Education:

2012: MFA Design & Applied Arts – Glass (Edinburgh College of Art) 2010:  BA (Honours) Design & Applied Arts – Glass  (First Class) (Edinburgh College of Art)

Other Courses:

June 2011: Glass & Metal, hot glass casting, sand moulding and metalwork course with Mitchell Gaudet amd Erica Larkin at Pilchuck Glass School, USA. July 2009:  Light + Colour = Form, eleven day kilnwork masterclass with Jane Bruce and Bruno Romanelli at Northlands Creative Glass, Lybster.

Exhibitions:

January 2013: Designer Crafts at the Mall with the Society of Designer Craftsmen, The Mall Gallery, The Strand, London. September 2012: Black Cube Collective – Launch, Arts Complex, Edinburgh. August 2012: British Glass Biennale, Stourbridge. July 2012: New Designers, Business Design Centre, London. June 2012: Edinburgh College of Art Degree Show, Edinburgh. April 2011: Inselaffen, group show at Whitespace Gallery, Edinburgh. March 2011: Trove, Juried Scottish Glass Society Show, Perth Museum & Art Gallery October 2010: Glass.Classic, exhibition of nominees for the  Stanislav Libenský Award, Prague. September 2010:  Glass at the Glassworks, group show, Alloa. July 2010:  New Designers, Business Design Centre, London. June 2010:  Edinburgh College of Art Degree Show, Edinburgh. October 2009:   Pocket Rocket (as part of Scratching the Surface international glass symposium) Gerrit Rietveld Academie, Amsterdam. September 2009:  (shortlisted) Cheongju International Craft Biennale, Cheongju, Republic of Korea. January 2009:  mid-point, 3rd year Design School exhibition, Edinburgh College of Art. November 2008:  Your Eyes, collaborative video installation at “The Crate”, Edinburgh College of Art project space. October 2008:  Spare Change, group show with 3rd year Sculpture students, Edinburgh College of Art. June 2008:  Untitled, group show with 3rd year Sculpture students, Edinburgh College of Art. January 2008: Untitled Show, group show with 3rd year Sculpture students, Edinburgh College of Art. March 2007:  ECA,  group show at the Ruby Orange gallery, Biggar.

Grants / Awards:

March 2012: Highly commended in the Artist category of the Warm Glass Prize. September 2010:  Winner – Stanislav Libenský Award (fully paid scholarship to Pilchuck, USA for 2011). September 2010:  Awarded funding from Creative Scotland to attend “Form @ North Lands” Conference. July 2010:  July 2010: Winner – 1st CGS Associate Prize, awarded for work exhibited at New Designers. June 2010:  John L Paterson Design Award of a Postgraduate Scholarship at Edinburgh College of Art. July 2009:  Friends of North Lands scholarship to attend masterclass with Jane Bruce and Bruno Romanelli. April 2007:  Awarded the Andrew Grant Memorial Travel / Research bursary by Edinburgh College of Art.

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Alan Horsley (2013): Leviathan - I. Cast clear Bullseye glass with metallic oxide inclusions. Coil-formed hollow and fractured casting. Height: 27cm

  HORSLEY Alan - Gotterdämmerung - 2013

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